Na wzmiankę o stylu secesyjnym w pamięci pojawiają się dziwacznie zakrzywione linie, brak kątów prostych i kapryśne przeplatanie się łodyg, liści, kwiatów i owoców, ożywione przez owady. To wszystko charakterystyczne cechy ruchu kwiatowego secesji, znanego nam jako secesja. Styl opiera się na odrzuceniu tradycyjnej sztuki ceremonialnej i próbie wprowadzenia piękna natury, nowych form i technologii produkcji do życia codziennego, czyniąc z każdego przedmiotu dzieło sztuki. Twórcy stylu głosili jedność człowieka i jego otoczenia, w tym wnętrza, architektury, sztuki.

Styl secesyjny, w przeciwieństwie do innych, jest wyraźnie ograniczony ramami czasowymi: koniec lat osiemdziesiątych XIX wieku - 1914. Jego charakterystyczne cechy to:

• gładkie, dziwacznie zakrzywione linie (których jeden z charakterystycznych pociągnięć nazywa się „uderzeniem biczem”) i zakrzywione powierzchnie,
• przytłumione, zbliżone do naturalnych kolory: niebieski, biały, beżowy, oliwkowy, srebrnoszary, bladofioletowy;
• słabe oświetlenie, przyciemnione przez kolorowe szklane lampy i witraże;
• wykorzystanie naturalnych materiałów i ich kombinacji: szkło, kamień, ceramika, drewno, metal, tkaniny;
• motywem przewodnim wystroju jest natura: krajobrazy, wzory kwiatowe i kwiatowe, owady i ptaki. 

W dzisiejszych czasach symbolika odgrywa szczególną rolę. Każdy rysunek to nie tylko obraz, ale także myśl artysty, wyrażona za pomocą symboli, kolorów i kompozycji. Wizerunki kwiatów i roślin mają swoje znaczenie: orchidea symbolizuje przepych, luksus i miłość, paproć - ciszę i spokój, róża - piękno życia, lilia - czystość i czystość, hortensja - skromność i szczerość, irys - światło i nadzieję, powojniki - czułość, oset - odwaga i hart ducha. Pączek, jako symbol narodzin życia, staje się jednym z najbardziej rozpowszechnionych elementów rysunku w secesji.

Często pojawia się obraz maku, oznaczający przejście między snem a rzeczywistością, życiem i śmiercią. Poszczególne kwiaty są preferowane od bukietów, które były tak popularne w poprzednich wiekach. Istnieje moda na produkty imitujące kwiatek w szklance wody.

Ozdoba zyskuje szczególną popularność dzięki dość rozpoznawalnemu, ale konwencjonalnemu wizerunkowi roślin. Stylizowane rośliny wodne o wąskich, długich łodygach i liściach - lilie, lilie wodne, trzciny - tworzą nastrój spokojnego toku życia. Krzywe konturów podkreślają dynamikę - wzrost i ruch roślin. Fantazyjne kontury kwiatu kontrastujące z liniowością liści i łodyg podkreślają ich piękno i luksus - irysy, orchidee, cyklameny, chryzantemy, róże itp. Irys staje się symbolem secesji. Często posługują się wizerunkami leśnych kwiatów - konwalii, kupavki, mleczu, ostu, chabra, stawiając na urok prostoty i codzienności.

Standardem secesji był rysunek Hermana Obrista (1895), który przedstawia cyklamen z ozdobną zakrzywioną łodygą. Charakterystyczny kontur zakrętu otrzymał nawet swoją nazwę - „cios biczem” - i był później aktywnie wykorzystywany przez artystów.

Kwiatowy ruch Art Nouveau, Art Nouveau, powstał we Francji, a jego głównymi ośrodkami stały się Paryż i Nancy. Paryż był liderem w architekturze, Nancy - w sztuce zdobniczej i użytkowej (zwłaszcza w produkcji mebli i szkła). Zgodnie z kanonami stylu sztuka powinna otaczać człowieka zawsze i wszędzie, każdy przedmiot powinien być jednocześnie niepowtarzalny. Te przykazania były przestrzegane przez mistrzów secesji, którzy położyli podwaliny pod szerzenie się nowego stylu.

Jednym z takich mistrzów był słynny architekt Emile Guimard. Do tej pory paryżanie i turyści podziwiają wyrafinowanie i zwięzłość projektu wejść do paryskiego metra, stworzonego według jego projektów. Potrafił nadać metalowym konstrukcjom kształt żywych roślin. Takie prace, „ożywiane” naturalną formą, nazywane są organogenicznymi.

Domy zbudowane według projektów Guimarda w Paryżu i Schechtel w Rosji mogą służyć jako przykłady architektury secesyjnej. Ogromną rolę w promocji stylu odegrały międzynarodowe wystawy paryskie, cieszące się dużą popularnością i autorytetem. Liczba odwiedzających paryskie wystawy sięgnęła 51 milionów osób. Jeden z domów Guimarda - hotel Beranger - stał się przedmiotem międzynarodowej wystawy w Paryżu w 1898 roku.

A pawilon wystawowy Bośni i Hercegowiny w 1900 roku został zaprojektowany przez innego mistrza secesji - Alphonse'a Muchę, którego teatralne plakaty z postaciami kobiecymi w powiewnych ubraniach i kwiatowych ornamentach stały się kanonem stylu.

Celem Art Nouveau jest stworzenie wygodnego i pięknego środowiska do życia. Dlatego modny jest kompleksowy projekt budynków w tym samym stylu - od dachu po ostatni gwóźdź. Architekt projektuje budynek od wewnątrz, kształtując najpierw wnętrze, a dopiero potem przechodzi do projektu elewacji budynku, która często staje się asymetryczna.

Architektura i wnętrze są ze sobą powiązane i połączone wspólnym wyrazem stylistycznym. Jedną z charakterystycznych cech budynków secesyjnych są ceramiczne panele mozaikowe. Tak często zdobi się fryzy domów. Ujednolicony styl aranżacji wnętrz prowadzi do tworzenia niepowtarzalnych zestawów, w tym sufitów, lamp, paneli ściennych, zestawów mebli i parkietów.

W niektórych przypadkach artyści, tworząc harmonijne środowisko do życia, całkowicie zagospodarowują nie tylko wnętrze, ale nawet domowe ubrania właścicieli. Na tej fali pojawiają się czołowe postacie, którym podlegało wszystko: od katedry Sagrada Familia po ornament ławki, od pałacu po zasuwę okienną .

Meble z tego okresu charakteryzują się dużą liczbą różnorodnych podestów - półek, stolików i innych przedmiotów - do umieszczania elementów dekoracyjnych. Ale secesja znalazła swój maksymalny wyraz w sztuce dekoracyjnej i użytkowej. Idea wzrostu i rozwoju - kluczowa w filozofii secesji - sprawia, że ​​rośliny są najwygodniejszym i najbardziej wyrazistym motywem dekoracji. Art Nouveau nie dąży do trójwymiarowego obrazu, preferując dziwaczne płaskie wzory, czemu sprzyja przyjęta konwencjonalność przedstawiania roślin.

Szkło staje się jednym z najpopularniejszych elementów dekoracyjnych. W tej dziedzinie Francuz Emile Galle i Amerykanin Louis Comfort Tiffany odnieśli sukces i stali się sławni. Szczególną popularność zyskała technika witrażowa Tiffany'ego. Technologia łączenia kawałków kolorowego szkła folią miedzianą pozwoliła na stworzenie jasnych, wykwintnych produktów. Wyjątkowe dzieła Lalique i Faberge pozostawiły niezatarty ślad w sztuce biżuterii tego okresu. Pisanki Faberge „Koniczyna” i „Konwalie”, które niezmiennie zachwycają publiczność, są żywym przykładem kwiatowego nurtu secesji. Cała powierzchnia jaja koniczyny jest ciągłą ozdobą liści koniczyny.

Emile Halle (1846-1904) stał na czele secesji. Wykształcenie zawodowe projektanta uzupełnił o dogłębną znajomość filozofii i poezji symboliki, botaniki i biologii. Później wiedza ta zostanie zawarta w jego pracach ze szczegółami obrazu roślin i filozoficznym rozumieniem natury. Znajomość poezji symboliki pozwoli mu nie tylko subtelnie czuć, ale także wplatać w swoje wyroby wiersze swoich ulubionych poetów - C. Baudelaire'a, S. Malarmégo, P. Verlaine'a, F. Villona, ​​co przyniosło mu sławę jako autora „gadającego szkła”.

Galle osiągnął szczyt swojej chwały dzięki wazonom wykonanym z laminowanego szkła. Na Międzynarodowej Wystawie Paryskiej w 1898 roku jego prace zostały nagrodzone złotym medalem wystawy, a ich autor został odznaczony Orderem Legii Honorowej.

W rysunkach i ornamentach jego prac często pojawiają się wizerunki parasoli, dzikich orchidei, lewkoi, powój, liści jarzębiny i porzeczki, a także motywy orientalne z gałązkami i szyszkami sosny, sakurą, ptakami i rybami.

W wazonach Galle znajduje się od 2 do 5 warstw kolorowego szkła (zwykle trzy), tworzących różne odcienie. Wielowarstwowy element obrabiany został wytrawiony, w wyniku czego pojawił się objętościowy, półprzezroczysty wzór, jak na kameach, który został dopracowany grawerunkiem. Ta technika „szkła kamei”, która rozsławiła Halle, została opracowana na podstawie starożytnej chińskiej technologii rzeźbionego szkła laminowanego. Wazony Galle są zawsze ciężkie, z wypolerowanym dyskiem na dole, co pozwala zobaczyć wielowarstwową strukturę produktu. Prace Galle pełne są romantycznych pejzaży i zdobień z kwiatów, owoców, ziół i owadów, tworząc razem niepowtarzalny wzór, w który organicznie utkany jest podpis autora.

Original text

Contribute a better translation

---

W 1900 roku Emile Halle osiągnął szczyt swojej sławy. Żaden szanujący się dom, niezależnie od poziomu zamożności, nie mógł obejść się bez jego produktów. Halle podzielił produkty swojej fabryki na trzy kategorie: seryjne, produkowane w obiegu przemysłowym, na małą skalę lub „pół-luksusowe” (półbogate), jak to nazywano, produkowane w małych partiach oraz ekskluzywne (Pieces unikques - produkty unikatowe) lub „luksusowe”, wykonane przez siebie. przez samego Galle w jednym egzemplarzu, takim jak wazon ze smokiem. 

Pierwsza rumuńska królowa Elżbieta była fanką i patronką Galle, który otworzył filię swojej fabryki w Rumunii. Wyjątkowe wazony przekazane osobiście przez autora (takie jak Edelweiss, Honey Cup, Paradise Muse, Moonlight) położyły podwaliny pod kolekcję rumuńskiego domu królewskiego.

Wspaniała kolekcja dzieł Galle znajduje się w budynku Sztabu Generalnego Ermitażu w Sankt Petersburgu. Mikołaj II i Aleksandra Fiodorowna byli również zafascynowani twórczością Halle w latach 1896-1900. Komnaty cesarzowej ozdobiono jego wyrobami. Wiadomo, że specjalnie wybrała swoje biurko, aby umieścić na nim wazon z powojnikami, a Mikołaj II otrzymał w prezencie od Lotaryngii parę wazonów z różowymi orchideami. Niektóre produkty Galle na zamówienie Aleksandry Fiodorowna zostały oprawione w srebro przez Faberge.

Wazony Galle wystawione na Wystawie Światowej w Paryżu w 1900 roku zostały nabyte przez Barona A.L. Stieglitz, którego kolekcja po rewolucji pomnożyła skarby Ermitażu.

Energia elektryczna, nowość końca XIX wieku, dała impuls do nowej pracy Halle - pierwszych szklanych kloszy i oprawek. Wykonane w technice intarsji lub kamei, podświetlane od wewnątrz i dające przyćmione światło, zrobiły furorę na rynku. Wiele modeli lamp stołowych zostało stworzonych przez Halle we współpracy z Louisem Majorelle, który wykonał artystyczne ramy do szkła.

W 1901 roku z inicjatywy Halle utworzono Alliance Provinciale des Industries d'Art, zrzeszające małe lokalne warsztaty zajmujące się sztuką zdobniczą i użytkową, dające impuls do rozwoju przemysłu artystycznego w całym regionie.

Później Sojusz został nazwany Szkołą Nancy (L'Ecole de Nancy), od nazwy szkoły projektowania artystycznego utworzonego w Sojuszu i istniała przez ponad 10 lat. Z czasem nazwa „Szkoła Nancy” została skojarzona z ośrodkiem produkcji wyrobów secesyjnych. Godłem szkoły był krzyż lotaryński i osty, symbolizujące wytrwałość.

Ogromna różnorodność wysokiej klasy dzieł sztuki stworzonych przez członków Sojuszu przyniosła szkole sławę na międzynarodowych wystawach i uznanie publiczne w Niemczech, Wielkiej Brytanii, Belgii, Włoszech, Ameryce i Rosji.

Sukces Halle był zaraźliwy. Za jego przykładem poszli bracia Dom, członkowie Sojuszu, których huta szkła Daum Freres & Cie. Verreries de Nancy ”nadal kwitnie. Od 1889 roku rozpoczęli przemysłową produkcję wazonów z motywami roślinnymi. Ich produkty wyróżniają się bardziej naturalistycznym wizerunkiem. Lista metod przetwarzania była praktycznie taka sama jak w Halle, masowej produkcji brakowało tylko wyrafinowania odcieni i przepełnienia koloru. W ich asortymencie najpopularniejsze były wazony i lampy ze szkła Cameo.

Osiągnąwszy popularność za pomocą szkła kameowego, Galle nie mógł powstrzymać się od tworzenia mebli. Ze względu na złożoność obróbki powstał jedynie jako wyjątkowy lub „pół-luksusowy”, zgodnie z gradacją samego Galle. Meble wykonano z palisandru, dębu, klonu, orzecha, gatunków owoców - jabłka, gruszki. Mistrz dawał pierwszeństwo lokalnym gatunkom drzew rosnącym w Lotaryngii. Reliefowa intarsja z różnymi gatunkami drewna oraz obowiązkowa ręczna obróbka detali wyróżniała jego wyroby. Do dekoracji Galle użył naturalnych motywów, motyli i ważek. Jego zdaniem „Wystrój mebli nowoczesnych, ściśle związanych z naturą, nie może pozostać obojętny na szlachetność form naturalnych”.

Oprócz inkrustacji w jego pracach pojawia się wiele rzeźbionych elementów. Kształt często staje się asymetryczny, a po raz pierwszy nogi przedmiotów przybierają postać ważek lub żabich udek lub są ozdobione ornamentami roślinnymi.

Rok 1909 był ostatnim rokiem, w którym prace członków School of Nancy były wystawiane razem. Art Nouveau, ze swoimi wyrafinowanymi i drogimi dziełami, które szukały ekskluzywności, ustąpiło miejsca bardziej ekonomicznie opłacalnemu stylowi Art Deco z masową produkcją tanich dzieł sztuki.

W 1964 roku otwarto Muzeum Szkoły w Nancy. Większość eksponatów muzeum to przykłady unikatowych mebli, witraży i szkła secesyjnego. Ogród muzeum zdobią dębowe drzwi do warsztatu Galle, wykonane w 1897 roku przez stolarza Eugene'a Wallena. Jest ozdobiony rzeźbionymi liśćmi kasztanowca i mottem Emile'a Galle'a „Moje korzenie są głęboko w lesie”, które odzwierciedla całą jego twórczość.

Pod koniec lat dziewięćdziesiątych Szkoła wznowiła swoje istnienie, a rok 1999 został ogłoszony rokiem Szkoły w Nancy. W 2013 roku w Wielkim Pałacu Muzeum-Rezerwatu Carycyna odbyła się wystawa „Emile Galle. Glass Rhapsody ”, gdzie można było zapoznać się z twórczością Galle.

Z biegiem czasu ruch kwiatowy secesji, niosący idee odnowy i piękna w życiu codziennym, zaczął być kojarzony w ogóle z secesją. Stylizowany wizerunek kwiatów i dziwnie zakrzywionych linii za każdym razem przenosi nas w erę Srebrnej Ery, dając nam radość obcowania z naturą i sztuką.